(015) Enero-Febrero / 17

 

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Northern Soul, Elaine Constantine, 2014, GB

Una historia clásica sobre crecer, fracasar algo y un triunfar otro poco, contenida en un retrato, fidedigno y melancólico, con algo de Quadrophenia revisitada, de la escena Northern Soul que sacudió a la juventud británica en unos progresivamente deprimidos y depresivos años 70. Espléndida en cuanto a la vívida recreación de época y sentimiento, incluye unos desvíos hacia una subtrama más o menos criminal y otros tópicos adyacentes que chirrían, precisamente por tópicos y adyacentes, frente a la energía, honestidad y pasión en el retrato de un movimiento subcultural de clase, al tiempo ensimismado y exhibicionista, alimentado de anfetaminas y música secreta, que entronizó al pinchadiscos como guía de los iniciados en el ritual del éxtasis colectivo y la fiebre individual, la canción como grial y el dancehall como iglesia.

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Encantada (Enchanted), Kevin Lima, 2007

Comedia ligeramente satírica y maliciosa en su contraposición/contaminación de dos mundos de cuento igual de absurdos, el Disney y el de la comedia romántica Hollywoodiense, que aplica subversión (moderada, de nuevo) al molde del relato de princesas canoras situando a una en el Nueva York presente, pero de película. Combina animación, de estilo clásico, e imagen real y resulta lo bastante ingeniosa como para esquivar el empalago y la ñoñez. Impulsada por Amy Adams, que lo mismo vale para un roto que para un descosido, resulta memorable y divertidísima al principio, agradable en su bloque central y desorientada en el aparatoso clímax.

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Los traficantes (White Lightning), Joseph Sargent, 1973, USA

Policíal sureño, amacarrado, motorizado, lúbrico (pero menos) y sudoroso, al servicio de la übermasculinidad de Burt Reynolds: un exconvicto que pacta con el Gobierno con el fin de vengar la muerte de su hermano a manos de un sheriff caciquil. Dirigida por Joseph Sargent, quien hizo menos películas de las que debía en su mejor época (esta), con un sentido de la violencia y la acción que impiden que el film derive tanto hacia la comedia chusca, donde el estilo terminaría dando, como hacia el show ególatra (que también). Cine comercial, sin desvíos, con cierta ambigüedad crítica, ambientación genuina y un excelente reparto de característicos, en especial el genial Ned Beatty.

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La víctima designada (La vittima designata), Maurizio Lucidi, 1971

Remake/ variación sobre Extraños en un tren, más Highsmith que Hitchcock, donde la intriga y el suspense es la excusa para una decadentista lucha de clases, entre un arribista que intenta hacer fortuna en el Norte industrial milanés y un espectral, casi vampírico, conde veneciano. Tomás Milian y Pierre Clementi habitan, respectivamente, a estos personajes en un juego perverso, homoerótico, basado en la manipulación y la concepción de la vida como melodrama cruel y espectacular. Lucidi pone en escena, pero la película parece emanar de la melancolía estética de uno de sus guionistas, Aldo Lado, guardando notables paralelismos con otras obras de este como director.

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Se busca vivo o muerto (Wanted: Dead or Alive), Gary Sherman, 1986, USA

Uno de los vehículos al servicio de la ambivalente persona cinematográfica del Hauer de los 80, que no es ni mejor, ni peor que otro a análogos para estrellas de la acción coetáneas.  Aquí es un cazador de recompensas y mercenario de élite contratado por sus antiguos jefes para cazar (o servir como cebo) a un terrorista árabe, papel a la excéntrica medida de Gene “Kiss” Simmons. La sobria realización de Gary Sherman la hace visible, menudean los detalles delirantes propios del periodo y la adorna un curioso aire de western urbano e, incluso, un intento de llevar al personaje hacia lo crepuscular…intento, nada más.

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Les liens du sang, Jacques Maillot, Francia, 2008.

Polar trágico-familiar situado en el Lyon de finales de los 70/80, época de gran actividad armada en Francia, que explora la compleja relación entre dos hermanos: un veterano criminal y un policía, más joven que el primero. Busca evocar el polar de los 70 –fotografía, música, ambientes, tipologías, fatalismo…-, justificando con ello la localización temporal, pero arrastra dos protagonistas inadecuados (o increíbles) y un saco de lugares comunes en su periplo por el consabido pasado y las consecuencias de vivir en la violencia. Rodado sin nervio, pese a fugaces momentos de sequedad, Guillaume Canet, el flic, dirigiría el remake norteamericano en 2013.

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The Imitation Game, Morten Tyldum, 2014, USA-GB

Biopic parcial, relato de espionaje y melodrama de época, todo empacado sin mácula. Escrita para que todo se entienda, dirigida para que todo se vea e interpretada para que todo se sienta, viene a ser la versión translúcida, estandarizada, de El topo, donde hasta se convoca a un director nórdico para que diluya el implacable formalismo de aquella, o el film de prestigio anual angloamericano, ya un subgénero en sí mismo. Se restituye la importancia, valor e imagen de Alan Turing y se apuntan ciertas turbiedades sobre la vida/sociedad británica, sobre sordidez del espionaje y la dificultad, ensangrentada a veces, como dice la voz en off (por si no hubiese bastantes diálogos aclaratorios y situaciones redundantes), de las decisiones. Mark Strong anula a cualquier otro actor que comparte su presencia; como siempre, por otra parte.

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Bad Company (Pistoleros en el infierno), Robert Benton, 1972, USA

Western picaresco y trágico, desmitificador y patético, sobre el proceso de degeneración de un idealista muchacho embarcado en un viaje al Oeste tras escapar del reclutamiento durante la Guerra Civil. Bueno y formal, terminará enredado en una banda de adolescentes liderados por un carismático fanfarrón. Cómica hasta que se pudre, amarga luego, de un realismo inclemente que afecta hasta el paisaje: una pradera pelada, de árboles en el hueso y granjas solitarias retratada en largas tomas laterales. Un Oeste de ladrones de gallinas, bandas de desarrapados y muertes antes de tiempo. Estupendos diálogos y dibujo de personajes de Robert Benton; un guionista que pareció iba a ser otro director.

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Traición sin límites (Extreme Prejudice), Walter Hill, 1987, USA

Un grupo de operaciones especiales actuando en Texas, un barón de la droga, agente renegado de la DEA, un Ranger incorruptible amigo de la infancia del anterior… la frontera como límite físico y existencial. Todo en un western contemporáneo, mezcla de la ética del género durante los 50 y el lirismo terminal de los 70. Replica a la perfección el primer aspecto, mediante la creación de un héroe épico y monolítico, pero no alcanza la desesperación romántica en el segundo. El resultado, en cambio, es plenamente coherente con cierto tono de cómic habitual del estilizado cine de Hill y con su poética, viril y violenta.

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X-Men: Días del futuro pasado (X-Men: Days of Future Past), Bryan Singer, 2014, USA.

Dos películas, opuestas casi, en una. Durante su primera mitad un soberbio conjunto de elegancia formal, fluidez narrativa, ritmo, gracia y carisma. Una síntesis de la historia de origen, manipulada y releída, la doble mitología de la saga, el remake encubierto de Terminator e incluso lecturas del Alan Moore de Capitán Britania y Watchmen, adornada por dos secuencias monumentales (el rescate de Magneto y la desastrosa misión en París) y un personaje memorable, Mercurio. De pronto, la película parece ser colonizada por otra estética y otra  retórica, donde ya nada es capaz de tapar los agujeros y se desatan los discursos, en lugar del discurso. No tanto una película de dos directores, como del Singer que fue y el que es.

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John Wick, Chad Stahelski y David Leitch, 2014, USA

Unos macarras asaltan a un hombre en su casa. Roban su coche de colección y matan a su perra. Lo que ocurre es que este resulta ser una legendario asesino por contrato, ahora retirado y antiguo asociado del padre del lider de los asaltantes. Lo que empieza situado en un contexto más o menos cotidiano, se desliza hacia un reino de sociedades de asesinos de Seijun Suzuki adaptando a Richard Strak, escenarios artificiales, ultraviolencia estilizada, casi musical, y espíritu de cómic. Dirigida por dos stunt men, sintetiza el cine de acción surcoreano (o directamente asiático), el polar según Luc Besson y la serie B de factura (industrial y formal) europea. Todo dentro de un molde espartano, el del vengador maduro/imparable, que ha hecho fortuna últimamente y que tiene ecos tanto del western, como del cine bronsoniano de los 70.

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Ultrá (Norte-Ultras-Sur), Ricky Tognazzi, Italia, 1990

Rugosa y honesta, una mirada sobre la subcultura y la “mentalità” del mundo ultra italiano. Regatea rápidamente ciertas servidumbres contractuales (las cuales, por otro lado, hablan de la Italia berlusconizada) para centrarse en el proceso de disolución de la amistad entre dos líderes de una brigada romanista, cuyas vidas están en el punto de separarse definitivamente. Tognazzi mete su cámara en el microcosmos masculino de un tren en viaje desde Roma a Turín, para enfrentarse a la Juve y a los juventinos, y es entonces donde la película supura autenticidad y nervio. Ni glorificadora, ni amarillista, si bien con un punto romántico y crepuscular, arrastra en lo estético y lo industrial, la propia decadencia del cine del país

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The Skeleton Twins, Craig Johnson, 2014, USA

Melodrama familiar sobre dos hermanos averiados, que se intercambian su puesto en el encuadre de acuerdo a su respectivo estado de ánimo, según quien sea el enfermo y quien el sanador, marcados hoy por toda una serie de experiencias traumáticas y asuntos mal resueltos del pasado. Aprueba en todos los apartados del test “película indie norteamericana”. Tristeza existencial y vacío vital, miedo a la madurez, un poco de comedia, nostalgia de la infancia, estética low-fi, cómicos haciendo llorar y siendo a la vez excéntricos, ternura, conversaciones con muchas verdades y otros tantos secretos, otoño… Cine hecho en molde. Ni bien, ni mal, ni importa.

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The Interview, Evan Goldberg y Seth Rogen, 2014, USA

Entre Hot Shots 2, Saturday Nigth Life y ellos mismos, una comedia grotesca, más paródica que satírica, donde la historia es reescrita mediante la estupidez más contumaz. Un retrato ridículo de un mundo ridículo. Escatológico, redundante e ingenuo en la superficie, pero absolutamente vitriólico en el fondo, que al tiempo que da vueltas sobre las obsesiones masculinas de sus autores va dejando no pocos mordiscos hacia América, la política, la propaganda, los medios y el fetichismo basurero o el culto a la(s) personalidad(es). El estilo de la comedia se encuentra tanto en la sucesión de gags y en los personajes (suerte de proyección de la imagen pública de los implicados), como en la forma, que se desliza hacia el cartoon brutal en su tercio final. Subversiva, como la cultura popular más brutal: caga el Rey, caga el Papa, caga la niña más guapa.

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 El castañazo (Slap Shot), George Roy Hill, 1077, USA

Basada en el equipo, hechos y mitología de los Johnstown Jets que habían ganado el campeonato federal en el 75, lo que comienza como un relato más o menos en clave de realismo sucio de una ciudad desmantelada y un equipo desmantelado, se desliza hacia la sátira bruta y la parodia del propio devenir amoral del deporte profesional. Carismática, grotesca y a su manera tierna, una historia de pícaros y perdedores en la América en liquidación de los últimos 70. Un clásico del cine viril, escrito por una mujer, Nancy Dowd, quien participaría en otra película similar, North Dallas Forty.

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Crónicas diplomáticas (Quai d’Orsay), Bertrand Tavernier, Francia, 2013

Un vodevil político que satiriza la época de Dominique de Villepin como ministro de Exteriores (y la “alta política” y su retórica en general) a partir del tebeo de Abel Lanzac (es decir, Antonin Baudry) y el gran Christophe Blain, con base en las experiencias del primero como escritor de discursos para el susodicho ministro. Para replicar cinematográficamente el grafismo y la narrativa de Blain, Tavernier convierte la película en una screwball comedy, de aire vodevilesco y sofisticado, apoyada en el montaje y el movimiento de cámara y personajes en los escenarios y un humor/estilo que caricaturiza el realismo. Le sobra alguna subtrama y el ritmo es tan exigente que ni la propia película se arregla para seguirlo, pese (o debido a) lo caudaloso de los gags y lo memorable de los intérpretes.

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Predestination, Spierig Brothers, 2014, Australia

En solo tres películas los hermanos Spierig han pasado del humor cafre y el cutrerío bienintencionado de Los no muertos, a la ciencia ficción melancólica de Predestination. Esta, basada en un relato de Robert A. Heinlein, supone una entrada elegante en la filmografía de los viajes temporales, aportando una aleación de melodrama, especulación paradójica y thriller metafísico donde la derive de trama y personajes conforma un círculo eterno de creación y destrucción, coherente con la cosmogonía australiana pese al look internacionalista de la película. Lo hace, además, desde posiciones de sofisticada serie B, de narración pulp con corazón y estilo donde la sensibilidad transgénero, los conflictos de la identidad y el romanticismo de, por ejemplo, El Atlas de las nubes, se escribe con imágenes de tebeo.

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6 Comentarios Agrega el tuyo

  1. John Space dice:

    Pues por aquí se le recomienda Contamination, para cuando le apetezca bolsicine italiano con ecos de Alien (e incluso Aliens, pese a ser anterior) y La amenaza de Andrómeda (pocos, eso sí).

    1. Tomo nota, para cuando tenga el día cutrelux.

  2. Mr. X dice:

    De las que no he visto, la que más me atrae es la de Bad Company… que ni siquiera sabía que existía, pero ahora DEBO ver.

    1. Véala un día de buen humor, que es una peli muy cabrona.

  3. Mr. X dice:

    Traición sin límites -y Johnny el guapo y el segundo 48 horas- me parece que es cuando Hill empezó a flojear, se dejan ver bien, pero en comparación con sus tres o cuatro primeras pelis de la primera mitad de los ochenta…

    1. Es cierto, sus comienzo fue fulgurante y fue uno de los cineastas que definen estéticamente la década de los 80. Pero hay un momento en que empieza a haber una importante diferencia entre intenciones y resultados. Como si hubiese perdido el toque. Pero, al menos, esas son todavía propias. Cosas como Danko (y mira que me molaba de chaval) les podía haber dirigido cualquiera… bueno, la segunda de 48 Horas, también.

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